El arte de la ópera de Pekín

¡Hola! Aprovechando que en breve sale mi nueva novela, voy a hablaros de una de mis obsesiones. Me refiero a la ópera de Pekín, por supuesto. Por si no lo sabéis,  es un arte escénico considerado un tesoro nacional chino que combina música, danza, arte escénico y acrobacias en un espectáculo vibrante y colorido. Con sus característicos maquillajes faciales, trajes elaborados y movimientos elegantes, cada representación cuenta historias épicas de héroes y leyendas milenarias.

Tres cosas sobre la ópera de Pekín

1. 🎭 El maquillaje facial no es solo decoración, cada color y diseño tiene un significado especial, representando la personalidad y el destino de los personajes.
2. 🎼 Los actores entrenan durante años para dominar las técnicas de canto, actuación, acrobacias y artes marciales.
3. 🏮 La Ópera de Beijing es Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por la UNESCO desde 2010.

Imagen ópera

Contexto

En una de mis escenas favoritas de «Nuestro mundo lejos del fuego» dos de sus protagonistas acuden a una representación de «Adiós a mi concubina», una historia épica que cuenta cómo Xiang Yu , el autodenominado «Rey Hegemón de Chu Occidental » lucha contra Liu Bang que terminaría fundando la dinastía Han. La protagonista es la consorte Yu, profundamente enamorada de su señor, hasta el punto en que termina con su vida cuando la derrota se aproxima para que ambos abandonen juntos este mundo.

Como dato os cuento que los papeles femeninos (dan) eran tradicionalmente representados por hombres, y en la época republicana (donde transcurre mi nueva novela), existió un gran cantante llamado Mei Lanfang, que revolucionó esta tradición y se convirtió en una de las grandes figuras del país.

Descubriendo a Mei Lanfang

Su dominio de la danza, el canto y la actuación, junto con su carisma y elegancia, lo convirtieron en un icono cultural.Pero ¿quién fue Mei Lanfang? Si te interesa, sigue leyendo 😊.

Nacido en una familia con una larga tradición en la Ópera de Pekín, Mei Lanfang comenzó su formación artística a una edad muy temprana. Debutó profesionalmente a los 11 años y rápidamente destacó por su talento y dedicación. A lo largo de su carrera, interpretó una variedad de personajes femeninos, desde heroínas históricas hasta diosas míticas, perfeccionando el arte de la feminidad en escena.

Mei Lanfang no solo se limitó a actuar en China. Su fama internacional creció a través de giras por Japón, Estados Unidos y la Unión Soviética. Durante estas giras, no solo promovió la Ópera de Pekín, sino que también interactuó con artistas y teatros de otros países, influyendo y siendo influido por ellos. Su impacto fue tan significativo que figuras como Charlie Chaplin y Constantin Stanislavski elogiaron su arte.

Además de su habilidad artística, Mei Lanfang fue conocido por su postura política durante la invasión japonesa de China. Se negó a actuar en las áreas ocupadas como acto de resistencia, lo que aumentó su prestigio como figura patriótica.

Tras la fundación de la República Popular China, Mei Lanfang continuó promoviendo y desarrollando la Ópera de Pekín, dedicando sus últimos años a la enseñanza y la investigación en este campo. Su legado perdura no solo a través de sus actuaciones registradas, sino también en la formación de nuevas generaciones de actores de la Ópera de Pekín.

Mei Lanfang es recordado como un maestro incomparable, un innovador artístico y un símbolo de la cultura china. Su influencia sigue siendo profunda, evidenciada en la continua relevancia y popularidad de la Ópera de Pekín en todo el mundo.

Mei Lanfang

Ficciones sobre la ópera de Pekín

«Forever Enthralled» (2008) es una película biográfica china dirigida por Chen Kaige. La película narra la vida de Mei Lanfang, interpretado por Leon Lai. A través de un recorrido desde su infancia hasta su ascenso a la fama internacional, el filme explora tanto sus logros artísticos como sus desafíos personales y profesionales.

«Forever Enthralled» destaca por su meticulosa recreación histórica y sus deslumbrantes secuencias de ópera. Además, aborda momentos clave en la vida de Mei Lanfang, incluyendo su resistencia durante la invasión japonesa de China que os comentaba. Con un elenco de apoyo que incluye a Zhang Ziyi y Sun Honglei, la película le rinde un grandísimo homenaje.

Otras ficciones

La novela Adiós a mi concubina de Lilian Lee y su  adaptación cinematográfica del mismo nombre utilizan la ópera y en concreto esta obra como parte de sus historias. Dirigida por Chen Kaige (el mismo director de la película que os he mencionado arriba) y protagonizada por el legendario Leslie Cheung, esta película de 1993 no solo cautivó a la audiencia, sino que también dejó una marca indeleble en la historia del cine mundial. Y de lo que os voy a hablar hoy es de esta maravillosa película.

Una mirada a la Historia de China

La trama de «Farewell My Concubine» abarca más de cinco décadas de la tumultuosa historia china, desde los días de la república hasta la Revolución Cultural. La película se centra en la vida de dos artistas de la Ópera de Pekín, Cheng Dieyi (Leslie Cheung) y Duan Xiaolou (Zhang Fengyi), cuya amistad y carrera son constantemente puestas a prueba por los cambios políticos y sociales. A través de sus historias, se entrelazan las vicisitudes personales con las transformaciones nacionales, ofreciendo un reflejo de cómo el arte y la vida se ven mutuamente afectados.

Simbolismo

«Farewell My Concubine»  es una película rica en simbolismo, que utiliza diversos elementos para explorar temas profundos como la identidad, la lealtad y el cambio social. Algunos de los símbolos más destacados incluyen:

1. La Ópera de Pekín: Representa la tradición y la continuidad cultural en medio de los cambios tumultuosos de la sociedad china. Los personajes principales, Cheng Dieyi y Duan Xiaolou, están profundamente ligados a esta forma de arte, que refleja sus identidades y sus conflictos internos.

2. El Personaje de Yu Ji: Cheng Dieyi interpreta a Yu Ji en la ópera «Adiós a mi concubina», un papel que se convierte en una extensión de su propia vida. Yu Ji, la concubina leal que se suicida por amor y lealtad a su rey, simboliza la devoción y el sacrificio absoluto, reflejando la relación compleja y ambivalente de Dieyi con Xiaolou.

3. El Abanico y la espada: En la ópera, estos objetos tienen un significado profundo. El abanico de Yu Ji representa la feminidad y la belleza, mientras que la espada simboliza el honor y la tragedia. Estos objetos se convierten en extensiones simbólicas de los personajes, destacando sus roles y destinos.

4. El cambio de régimen: La transición de la China republicana al comunismo y la Revolución Cultural simboliza el tumulto y la transformación de la sociedad china. Estos cambios históricos afectan profundamente a los personajes, reflejando la lucha entre lo viejo y lo nuevo, y la destrucción de las tradiciones.

5. El fumadero de opio: La adicción de Cheng Dieyi al opio simboliza su escapismo y la fragilidad de su identidad. Es un refugio del dolor de la realidad y de su incapacidad para lidiar con el rechazo y la traición.

El simbolismo en «Farewell My Concubine» enriquece la narrativa, proporcionando capas adicionales de significado que exploran la complejidad de la condición humana y la interacción entre la vida personal y los cambios históricos.

Imagen película

Mi personaje favorito

Juxian es un personaje clave que añade profundidad y complejidad a la trama. Como la esposa de Duan Xiaolou, Juxian representa el mundo exterior y las tensiones que surgen entre las tradiciones del teatro y las realidades de la vida cotidiana. Su presencia desencadena conflictos entre los personajes principales, Cheng Dieyi y Duan Xiaolou, poniendo de relieve las tensiones entre el amor platónico y el amor romántico, así como entre la lealtad personal y profesional. Juxian, una ex prostituta, también simboliza la lucha por la dignidad y el deseo de una vida mejor, desafiando las convenciones sociales y enriqueciendo el tejido narrativo de la película con sus propias luchas y aspiraciones. Por todo ello, por su fortaleza y por como incluso se preocupa por Dieyi, es mi personaje favorito de este film.

Gong Li como Juxian

Una obra maestra

La cinematografía de «Farewell My Concubine» es absolutamente asombrosa, sirviendo como un complemento perfecto que potencia la narrativa de forma excepcional. A través de una cuidadosa atención a la cámara, la iluminación, el color y la composición, la cinematografía no solo captura la hermosa estética de la ópera tradicional china, sino que también profundiza en las emociones y conflictos internos de los personajes.

La paleta de colores es sumamente rica y simbólica, con los vibrantes colores de los trajes de la ópera y el maquillaje contrastando de manera impactante con los tonos más sombríos (grises en su mayoría) de la vida fuera del teatro, subrayando la dicotomía entre el arte y la realidad. Los colores rojo y dorado, predominantes en las escenas de la ópera, simbolizan la pasión, la gloria y el sacrificio de una manera que realmente conmueve.

Asimismo, la película utiliza una composición meticulosa para enfatizar las relaciones y tensiones entre los personajes. Los encuadres cuidadosamente planificados y los planos secuencia prolongados permiten que los espectadores se sumerjan en el mundo de los personajes, destacando tanto la grandiosidad de las representaciones de la ópera como la intimidad de los momentos personales.

No podemos olvidar los movimientos de cámara, fluidos y precisos, a menudo siguiendo a los personajes en sus transiciones entre el escenario y su vida personal. Esto crea una sensación de continuidad y refleja la inseparabilidad de su identidad artística y personal. Las tomas largas y los travellings suaves también ayudan a crear una atmósfera envolvente y emocionalmente resonante. La iluminación juega un papel crucial en la creación de atmósferas y en la plasmación de los estados emocionales de los personajes, acentuando la vulnerabilidad y la realidad cruda de los personajes. La cinematografía de la película presta una atención meticulosa a los detalles y las texturas, desde los elaborados vestuarios y decorados de la ópera hasta los espacios más humildes y degradados de la vida fuera del teatro.

Esta riqueza visual añade profundidad y autenticidad al mundo que la película retrata, transportando a los espectadores a diferentes épocas y contextos de la historia china. En conjunto, la cinematografía de «Farewell My Concubine» no solo embellece la película, sino que también sirve como una herramienta narrativa poderosa, profundizando la comprensión de los personajes y el impacto de los eventos históricos en sus vidas.

Leslie Cheung como Dieyi

Sobre el legado de Leslie Cheung

Leslie Cheung ofrece una actuación icónica y profundamente conmovedora en esta película, interpretando al complejo y trágico personaje de Cheng Dieyi. Su interpretación es una de las más memorables de su carrera y es fundamental para el éxito y la resonancia emocional de la película.
Su personaje, Cheng Dieyi, es un hombre atrapado entre su identidad artística y su vida personal, y Leslie Cheung captura magistralmente esta dualidad. Su capacidad para expresar vulnerabilidad, dolor y amor no correspondido es impresionante, haciendo que el público sienta empatía por su lucha interna.

Asimismo la transformación de  Leslie Cheung en Dieyi es tanto física como psicológica. A través de su actuación, se sumerge completamente en el papel de Yu Ji, el personaje femenino que Dieyi interpreta en la ópera. Esta transformación es evidente no solo en su apariencia y movimientos, sino también en la manera en que internaliza la feminidad y la fragilidad de Yu Ji, fusionando su identidad con la del personaje que interpreta.

No podemos obviar la química de Leslie Cheung con sus coprotagonistas, especialmente con Zhang Fengyi, quien interpreta a Duan Xiaolou. Esto es palpable y esencial para la dinámica de la película. La relación entre Dieyi y Xiaolou es compleja, marcada por la lealtad, el amor y la traición, sobre todo porque el personaje de Xiaolou es egoísta, vividor y bastante pendenciero, pero también es optimista y fuerte, por lo que es un constante «ni contigo ni sin ti» entre ambos. Leslie Cheung y Zhang Fengyi logran transmitir toda esta complejidad con una intensidad y autenticidad que ancla la narrativa emocional de la película.

Asumir el papel de Cheng Dieyi fue un acto de valentía por parte de Leslie Cheung. En los noventa, en una época en que los roles de género y la sexualidad eran temas sensibles, Cheung abordó su personaje con una audacia notable. Su interpretación desafía las normas tradicionales y ofrece una representación sincera y respetuosa de la identidad sexual y de género, contribuyendo a una discusión más amplia sobre estos temas en la cultura cinematográfica. Su personaje cambió la visión de cómo se representaba al colectivo en Hong Kong y supuso un avance en visibilidad incuestionable.

Fuera de la pantalla, Leslie Cheung fue una figura pionera en la lucha por los derechos y la visibilidad del colectivo LGTB en Asia. En una industria y una cultura donde la homosexualidad a menudo se ocultaba o se rechazaba, Leslie Cheung fue uno de los primeros artistas en Hong Kong en ser abiertamente gay. Su valentía al hablar públicamente sobre su orientación sexual y su relación con su pareja de toda la vida rompió barreras y desafió estigmas, inspirando a muchos a vivir su verdad con orgullo. Su legado como ícono LGTB perdura, y su vida y carrera siguen siendo un testimonio del poder de la autenticidad y la lucha por la igualdad.

En resumen, Leslie Cheung en «Farewell My Concubine» no solo ofrece una actuación técnica y emocionalmente sobresaliente, sino que también aborda temas profundos y complejos con una sensibilidad y valentía excepcionales. Su contribución es fundamental para el impacto y el éxito perdurable de la película, y su vida y activismo dejaron una marca indeleble en la lucha por los derechos del colectivo LGTB.

Viajemos a Shanghái en los años 30

¡Hola! ¿Qué os parece un viaje al pasado? Con la publicación de mi nueva novela, nos vamos a Shanghái, a 1936. Si os apetece conocer un poco más de la época, seguid leyendo.

En la década de 1930, Shanghái emergió como una metrópolis vibrante y cosmopolita, marcada por su singular estatus como un enclave de concesiones extranjeras. Este período fue testigo de una transformación socioeconómica sin precedentes, impulsada por la presencia y las políticas de potencias extranjeras que habían establecido sectores autónomos dentro de la ciudad.

Las Concesiones Extranjeras: Un legado de los tratados desiguales

Las concesiones extranjeras en Shanghái fueron el resultado directo de los llamados “tratados desiguales”, impuestos por potencias occidentales tras su victoria en la Primera Guerra del Opio (1839-1842). Estos tratados abrieron Shanghái al comercio internacional y permitieron a los extranjeros establecer áreas de control autónomo dentro de la ciudad.

La Concesión Internacional de Shanghái, formada en 1863 por la fusión de los enclaves británico y estadounidense, se convirtió en un símbolo de la influencia extranjera en China. Aunque técnicamente seguía siendo territorio chino, la concesión operaba con un alto grado de autonomía, con su propio consejo municipal y fuerzas de seguridad. Otra concesión muy relevante fue la Francesa, en la que también se aplicaban las leyes del país que representaba.

Las concesiones trajeron consigo una mezcla vibrante de culturas, tecnologías y estilos de vida. Mientras los distritos chinos mantenían sus tradiciones y mercados, las concesiones presentaban una imagen cosmopolita con teatros, clubes nocturnos y edificios art déco. Este mosaico cultural hizo de Shanghái una ciudad única, pero también una de grandes desigualdades y tensiones sociales.

Un microcosmos de diversidad cultural y económica

La ciudad atrajo a empresarios, aventureros y refugiados de todo el mundo, creando un ambiente vibrante y heterogéneo. La Nanking Road, por ejemplo, se convirtió en un bullicioso centro comercial, donde se podían encontrar productos y servicios de todo el mundo.

La situación socioeconómica: entre la opulencia y la adversidad

Esta presencia extranjera trajo consigo una modernización acelerada y un crecimiento económico significativo. Shanghái se convirtió en un importante centro financiero y comercial, con bancos, empresas y tiendas de lujo proliferando en las concesiones. Sin embargo, esta prosperidad no se distribuyó equitativamente. Mientras que las élites disfrutaban de una vida de lujo y exceso, la mayoría de los shanghaineses enfrentaban condiciones de vida difíciles, con bajos salarios y largas jornadas laborales.

Vida nocturna

La noche en Shanghái de los años 30 era un espectáculo de luces, sombras y secretos. La ciudad, conocida como el “París de Oriente”, se transformaba al caer el sol en un hervidero de actividad donde la opulencia y la decadencia se entrelazaban.

Los clubes nocturnos, cabarets y salones de baile de Shanghái eran legendarios. Lugares como el Paramount y el Cercle Sportif Francais atraían a la élite con su música jazz y sus espectáculos de variedades. La Nanking Road se iluminaba con neones, invitando tanto a locales como a extranjeros a sumergirse en una noche de indulgencia.

Sin embargo, esta fachada de glamour ocultaba una realidad más sombría. La pobreza y la desigualdad eran palpables, y muchas personas luchaban por sobrevivir en los barrios marginales que se extendían más allá del brillo de las concesiones extranjeras.

La Banda Verde: El poder en las sombras

En este contexto de control fragmentado y diversidad cultural, el crimen organizado encontró terreno fértil. La mafia de Shanghái, dominada por figuras como Du Yuesheng, también conocido como «Big-Eared Du», se convirtió en una fuerza formidable. La «Banda Verde», una de las tríadas más poderosas, controlaba el tráfico de opio, el juego y la prostitución, y extendía su influencia tanto en los barrios chinos como en las concesiones extranjeras.

La Banda Verde (青帮, Qīng Bāng) era una sociedad secreta china y una organización criminal prominente en la actividad criminal, social y política en Shanghái durante la primera mitad del siglo XX. Sus operaciones eran complejas y estaban arraigadas en la historia y la cultura de la región.

Orígenes y raíces secretas:

La Banda Verde tenía sus raíces en la Luojiao, una secta budista fundada por Luo Qing durante la dinastía Ming.

A principios del siglo XVIII, la secta se introdujo entre los trabajadores involucrados en el transporte de grano a lo largo del Gran Canal.

Los grupos luoístas se mezclaron con las sociedades preexistentes de barqueros de transporte de grano, prestando servicios como enterramientos y albergues.

Sin embargo, las autoridades los percibieron como una amenaza y, en 1768, el emperador Qianlong ordenó la destrucción de los templos luoístas y proscribió la secta.

Esto llevó a la secta a la clandestinidad, donde se centró en las flotas que transportaban el grano.

Aparición en Shanghái:

Shanghái se convirtió en un lugar favorable para la actividad criminal debido a varios factores:

• El Gran Canal cayó en desuso para los envíos de grano, y Shanghái se convirtió en un punto de transbordo importante.
• Como uno de los puertos abiertos, Shanghái era una puerta de entrada para el comercio exterior, incluido el opio.
• La presencia de la Concesión Internacional de Shanghái y la concesión francesa creó un entorno legal desarticulado que favoreció el crimen organizado.
• La inmigración masiva de chinos en Shanghái significaba que las asociaciones basadas en ciudades de origen ancestral común o lealtades se convirtieron en factores importantes de la vida social de la ciudad.

La Banda Verde trabajó a través de estas redes y se convirtió en una poderosa organización criminal que controlaba el juego, la prostitución y, sobre todo, el tráfico de opio.

Du Yuesheng no solo era un líder criminal, sino también un empresario y político astuto. Estableció conexiones con oficiales de las concesiones y figuras políticas clave, consolidando su poder e influencia. La mafia no solo manejaba negocios ilícitos; también jugaba un papel en la política local y nacional, influyendo en el curso de eventos críticos de la época. Este entramado de poder permitía que la organización prosperara y mantuviera su dominio sobre la vida nocturna y el crimen organizado de la ciudad.

Operaba con total libertad en la parte de la ciudad controlada por los franceses tal y como vais a descubrir en mi nueva novela.

Después del colapso del régimen de Chiang Kai-shek en 1949, la Banda Verde abandonó Shanghái y, a principios de la década de 1950, abrió refinerías de heroína en Hong Kong.

En los años siguientes, la organización sufrió luchas contra los sindicatos locales por el control del mercado de la droga.

La Banda Verde dejó una profunda huella en la historia de Shanghái, siendo un testimonio de la complejidad de una ciudad que, a pesar de su modernidad y brillo, no pudo escapar de las garras de la corrupción y la ilegalidad.

Conclusión: Un legado de luz y sombra

La noche en Shanghái de los años 30 es recordada por su vibrante vida cultural y su oscuro submundo criminal. Esta dualidad es parte integral del legado histórico de Shanghái, una metrópoli que siempre ha sabido renacer de sus cenizas incluidas las de la guerra que se cernió sobre ella.

La Guerra Sinojaponesa: Un Período de conflicto y devastación

El 7 de julio de 1937 marcó el inicio de la Segunda Guerra Sinojaponesa, una brutal confrontación que afectó profundamente a Shanghái. La Batalla de Shanghái, que se libró entre agosto y noviembre de 1937, fue una de las primeras y más grandes batallas de esta guerra. Las fuerzas chinas, lideradas por Chiang Kai-shek, resistieron ferozmente a las tropas japonesas, pero la ciudad eventualmente cayó bajo ocupación japonesa.

La guerra trajo una devastación sin precedentes a Shanghái. Los bombardeos y combates urbanos dejaron vastas áreas en ruinas y causaron la muerte y desplazamiento de miles de civiles. Bajo la ocupación japonesa, la vida en la ciudad se volvió aún más dura, con escasez de alimentos y una represión constante.

«Regreso a Casa» de Zhang Yimou

¡Hola! Hoy os hablo de una película que era una de mis eternas pendientes y que me ha enamorado. Creo que es la historia de amor más preciosa y a la vez más devastadora que he visto. Se trata de la película china «Regreso a casa» dirigida por el famosísimo Zhang Yimou (el mismo director de «Amor bajo el espino blanco» del que os hablé en la otra entrada).
Sabemos que el cine tiene una capacidad única para evocar emociones profundas y establecer conexiones transculturales y esto es lo que vais a encontrar en este film de 2014. La historia detrás de esta producción y su impacto emocional en el público es tan conmovedora como la trama misma.

Sobre la estructura narrativa

«Regreso a Casa» nos sitúa en el contexto de la Revolución Cultural China y sus secuelas. Si «Amor bajo el espino blanco» nos trasladaba al auge de esta época, esta otra película nos cuenta qué sucedió después. Y de qué forma nos los cuenta.
Podemos decir que la película se distingue por su estructura narrativa, dividida en dos partes claramente diferenciadas.

La primera parte introduce a los personajes y el contexto histórico: la Revolución Cultural en China. El protagonista, Lu Yanshi, es un prisionero político traicionado por su propia hija, Dan Dan (Zhang Huiwen), quien busca mejorar su posición en el mundo del baile. La emotiva secuencia en la estación de tren, donde Lu y su esposa Feng intentan reunirse, es un momento clave que establece el tono de la película.
Tras una elipsis de varios años, la segunda parte de la película nos muestra a Lu regresando a casa solo para descubrir que Feng sufre de amnesia y no lo reconoce. «Regreso a Casa» presenta una visión más cruda y realista del olvido y la memoria.

La esperanza de Lu de reencontrarse con Feng se ve continuamente frustrada por la amnesia de ella. Con paciencia, Lu intenta que su esposa lo reconozca, mostrándole cartas que escribió durante su encarcelamiento para disipar la niebla en su mente e incluso arreglando el piano que él solía tocar. Aquí os dejo un fotograma de esa maravillosa escena:

Pese a todos sus esfuerzos, el trauma de su esposa es demasiado fuerte (se descubre incluso la razón) y todo parece en vano. Mientras tanto, y para rompernos más el corazón y hablarnos de un amor eterno, Feng va a recibirlo el día 5 de cada mes, con un cartel con su nombre, en un ritual que se repite durante años.

Qué preciosidad y qué dolor. Y qué maravillosamente contado. El devastador epílogo os dejará con el corazón roto, por su belleza y realismo. Qué historia de amor tan maravillosa, de verdad.

Dirección y estilo visual

Zhang Yimou, conocido por su estilo visual distintivo y su habilidad para contar historias emotivas, dirige esta película con una sensibilidad y una delicadeza que realzan el impacto emocional de la trama. Utiliza el formato scope para enmarcar a sus personajes entre puertas y espacios cerrados, simbolizando la prisión emocional y física en la que se encuentran atrapados. Los colores apagados y los encuadres cuidadosamente compuestos reflejan el estado emocional de Feng y la época en que se desarrolla la historia. La narrativa visual complementa perfectamente la lucha interna de los personajes, añadiendo capas de significado a cada escena.

Las interpretaciones de Gong Li y Chen Daoming son el corazón emocional de «Regreso a Casa». Gong Li, una de las actrices más respetadas de China, nos regala una actuación profundamente conmovedora como Feng, capturando la fragilidad y la fortaleza de una mujer atrapada en el pasado. Por su parte, Chen Daoming, con su contención dramática, ofrece una actuación sobria y emotiva como Lu, un hombre desesperado por recuperar su vida y su amor perdido.

Temáticas profundas

«Regreso a Casa» no es solo una historia de amor y pérdida, sino también una profunda reflexión sobre los efectos devastadores de la Revolución Cultural en la vida personal y familiar. La amnesia de Feng puede interpretarse como una metáfora de la memoria colectiva de una nación que lucha por reconciliarse con su pasado. La película aborda temas como el perdón, la redención y la resiliencia, ofreciendo una reflexión profunda sobre la naturaleza humana y la capacidad de superar la adversidad.

Trailer de la película

Recepción y legado
La película fue increíblemente aclamada tanto por la crítica como por el público, resaltando su impresionante narrativa emotiva y las actuaciones excepcionales. A pesar de no alcanzar el éxito arrollador de otras obras de Zhang Yimou en taquilla, «Regreso a Casa» ha conquistado un lugar especial en los corazones de aquellos que valoran el cine que explora las complejidades de las relaciones humanas y la historia.
Conclusión
«Regreso a Casa» es una obra maestra del cine que profundiza en el amor, la memoria y el perdón. Zhang Yimou logra crear una película que, con su sencillez y profundidad emocional, se convierte en un testimonio del poder del cine para reflejar las complejidades de la vida y la historia humana. Si aún no has tenido la oportunidad de ver «Regreso a Casa», te espera una experiencia cinematográfica verdaderamente inolvidable. La puedes ver en Filmin.

Reseña «Amor bajo el espino blanco»

¡Hola! Si hay un periodo histórico que me llama la atención es la llamada Revolución Cultural (Gran Revolución Cultural Proletaria) en China. Se dio entre 1966 y 1976 y consistió en el afán absolutamente brutal de preservar e imponer el comunismo chino en todas las etapas de la vida de los ciudadanos y para ello, el Gobierno de la República Popular tomó muchas medidas, algunas de ellas de carácter violento, como fue la creación de la Guardia Roja y la incitación a la lucha de clases. Hubo purgas masivas, persecución y asesinatos y la figura de Mao y los ideales del Partido fueron ensalzados, volviéndolos incuestionables.

Arte popular: Viva la victoria de la guerra popular. Artista Wang Tongren. 1966

Tenemos que creer en las masas: tenemos que creer en el partido: ambos son principios fundamentales.

Eslogan propaganda

En este contexto una de las medidas fue el traslado de jóvenes urbanos a las regiones rurales durante el movimiento «Envío al campo». Allí tenían que aprender los trabajos manuales, arar la tierra, cuidar de animales y sobre todo eliminar cualquier vestigio burgués de sus vidas.

Es una época muy convulsa y durante años no se habló de ella en China salvo a través de las novelas. Una de ellas en las que se trata es «Amor bajo el espino blanco» de Ai Mi (pseudónimo), que en su día fue publicada en su blog y que supuso tal éxito que más tarde fue publicada en papel y ha sido editada en decenas de idiomas.

Portada de la novela publicada en español por Suma de letras

Esta novela fue adaptada al cine y de esto os hablo hoy en esta entrada.

Fotograma de la película

Título original: Shan zha shu zhi lian (The Love of the Hawthorn Tree)
Género: Drama
País: China
Estreno en cines: 31/08/12
Recaudación: 591.467,40 €
Espectadores: 88066

—¡Ah, ese árbol! Originariamente las flores eran blancas, pero durante la guerra contra Japón innumerables jóvenes valientes fueron ejecutados debajo de él, y su sangre regó la tierra en sus raíces. Desde aquella época las flores de este árbol comenzaron a cambiar, y ahora son todas rojas.

Bajo el espino blanco

Todo lo relacionado con la Unión Soviética no solo se había vuelto peligroso, sino que cualquier cosa que estuviera contaminada con la idea del «amor» se juzgaba como una mala influencia y el pútrido residuo de la clase capitalista.

Por tanto, enamorarse no estaba bien visto. Pero sucedía. Y de esto va la maravillosa película de la que os hablo hoy, en la que descubrimos a Jing Qiu, una joven estudiante que es enviada a un pequeño pueblo rural para realizar trabajos de campo y aprender de la vida campesina. Allí conoce a Lao San, un joven y apuesto trabajador que proviene de una familia adinerada y políticamente comprometida. A pesar de las diferencias sociales y las estrictas normas de la época, los dos jóvenes no pueden evitar enamorarse.

Imagen película

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Temas y motivos:

1. Amor y sacrificio: La película retrata un amor puro y desinteresado en medio de la turbulencia política y social. El romance entre Jing Qiu y Lao San se desarrolla de manera sutil y conmovedora, reflejando la inocencia y la profundidad de sus sentimientos. Ambos personajes enfrentan numerosos desafíos, incluidos los obstáculos impuestos por sus familias y las restricciones de la época, pero su amor persevera a pesar de todo.

Fotograma

2. Resiliencia: Zhang Yimou destaca la resiliencia de los individuos en tiempos difíciles. Jing Qiu y Lao San representan la capacidad de encontrar esperanza y alegría incluso en las circunstancias más adversas. La fortaleza de Jing Qiu es especialmente destacada, mostrando cómo la juventud y la inocencia pueden adaptarse y resistir frente a la opresión.

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3. Impacto de la Revolución Cultural: La película también ofrece una visión íntima de la vida durante la Revolución Cultural, una época de gran agitación en China. A través de los ojos de Jing Qiu, el espectador es testigo de las dificultades que enfrentaron muchas familias, incluidas las restricciones sobre la expresión personal y la vigilancia constante del estado. Zhang Yimou maneja estos temas con sensibilidad, sin caer en juicios explícitos, permitiendo que la historia de amor resalte sobre el trasfondo histórico.

Aspectos visuales y estilísticos:

Zhang Yimou, conocido por su habilidad para combinar narrativas emocionales con visuales impactantes, no decepciona en «Amor bajo el espino blanco». La cinematografía de la película es impresionante, capturando la belleza del paisaje rural chino con una paleta de colores que evoca nostalgia y serenidad. Las escenas están cuidadosamente compuestas, utilizando la naturaleza y los elementos visuales para reflejar el estado emocional de los personajes.

Actuaciones:

Los actores principales, Zhou Dongyu como Jing Qiu y Shawn Dou como Lao San, entregaron actuaciones excepcionales. Zhou Dongyu, en su debut cinematográfico, ofreció una interpretación conmovedora y auténtica, capturando la inocencia y la fortaleza de su personaje. Shawn Dou complementó su actuación con una presencia tranquila y carismática, creando una química convincente y emotiva en pantalla.

Conclusión:

«Amor bajo el espino blanco» es una obra maestra de Zhang Yimou que combina una historia de amor íntima con un retrato evocador de un periodo complicado en la historia de China. La película es un testimonio de la capacidad del amor para trascender las dificultades y un recordatorio de la resiliencia humana. A través de su narrativa delicada y visuales hermosos, «Amor bajo el espino blanco» deja una impresión duradera en el corazón de los espectadores, recordándonos la importancia de la esperanza y la perseverancia.

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Referencias literarias que vas a encontrar en MY DEAREST

¡Hola! Coincidiendo con que en Corea se ha celebrado Chuseok os traigo un post sobre una serie que me ha obsesionado absolutamente. Se trata de «My dearest».

My dearest imagen promocional de la serie

Esta serie, protagonizada por Nam Goong Min como Lee Jang Hyun y Ahn Eun Jin como Yoo Gil Chae, en la que por ahora se ha emitido la primera temporada, nos cuenta una historia de amor en una época muy turbulenta.

Antes de desvelar las referencias literarias que he encontrado en los episodios, os pongo un poco en contexto para que entendáis la época en la que transcurre.

CONTEXTO HISTÓRICO

Tenemos que viajar hasta la época Joseon, pero en concreto hasta las invasiones manchúes (1627 -1636) que eran una tribu del norte de China. Los manchúes (conocidos como jurchen como aparecen en la serie también) se convirtieron en una fuerza poderosa y temible. Como Joseon se había puesto del lado de la dinastía Ming, los manchúes (la dinastía Jin) invadieron Joseon en represalia. Las fuerzas manchúes capturaron Pyeongyang y avanzaron hacia el sur. Mientras tanto, el rey de Joseon huyó a la isla de Ganghwa (en la serie podéis ver que este lugar se considera seguro porque los manchúes supuestamente temían al mar). No obstante, en 1636, los manchúes acabaron derrotando a Corea y obligaron al rey Injo de Joseon a jurarles lealtad. Solo siete años después, los manchúes también derrotaron a la dinastía Ming y establecieron lo que denominaron la dinastía Qing. Fue entonces cuando obligaron a los coreanos a sufragar los gastos de guerra y a pagar un tributo regular, a la vez que los príncipes coreanos y los miembros de la familia real fueron tomados como rehenes por los manchúes. El pueblo de Joseon fue un estado tributario de la dinastía Qing durante los siguientes 350 años, durante los cuales los coreanos albergaron un sentimiento de animosidad hacia los manchúes a los que siempre consideraron bárbaros (así es como se refieren a ellos en la serie).

Pero ahora vamos a hablar de esta historia de amor en tiempos de guerra y las referencias literarias a obras clásicas de literatura coreana que vais a encontrar mencionadas.

Si os interesa, seguid leyendo.

REFERENCIAS LITERARIAS

Para empezar, la protagonista, que está enamorada de un joven erudito de su aldea, piensa en una forma de llamar su atención que tiene que ver con un columpio. En su plan le dice a su sirvienta:

«De todas formas, ¿sabes por qué Lee Mong Ryong se enamoró de Chun Hyang?

Sí, es una referencia a una historia de amor muy famosa en Corea entre Chunhyang (춘향), la hija de una kisaeng, y Mongryong (이 몽룡), el hijo de un magistrado, es decir, un joven de la nobleza, un yangban.

Aunque el origen de esta obra es un Pansori (판소리), un canto coreano que consistía en transmitir oralmente historias con un cantante (sorikkun), que puede ser una mujer o un hombre, y la intervención de un percusionista (gosu) que toca un tambor (buk), también podéis encontrarla por escrito.

De hecho, este cuento fue la primera historia coreana publicada en Europa, aunque fue, obviamente, una variación del relato original. Podéis averiguar más sobre esto en esta obra:

Una antología de relatos compilados por Anthony of Taizé

El primero de estos cuentos se llama Fragrant Springtime y se afirma que <<El criado respondió que era una chica de clase baja llamada Chunhyang, nombre que significa «perfume de primavera».>>

Y también podemos leer el siguiente párrafo del momento en que Mongryong ve por primera vez a Chunhyang:

Una sonrisa jugueteaba en sus labios, su boca era como una flor de nenúfar descansando ligeramente sobre un estanque, y mientras seguía balanceándose, atravesaba el aire como una golondrina en vuelo. Con las puntas de los dedos de los pies apartaba las ramas y hacía caer una lluvia de hojas. Sus blancas manos, de hermosos y largos dedos, se aferraban a las cuerdas. Su figura esbelta y flexible se inclinaba como un sauce al viento.

«Fragrant Springtime» en la colección ROMANTIC TALES from Old Korea Compiled by Brother Anthony of Taizé

Ahora volvamos a «My dearest» a nuestra protagonista Gil Chae en el columpio y a nuestro protagonista Lee Jang Hyun que se acerca por primera vez a ver a la que conocen como la gumiho (구미호) de 99 colas de la aldea. (Los gumiho son unas criaturas de la mitología coreana que se caracterizan por ser espíritus malignos, pero también se les asociaba el término a personas con cierta mala reputación).

Aquí podéis ver la escena en cuestión:

This is THE ROMANCE 💘 This hit rights in the feels omg 😭❤️#MyDearest #NamGoongMin #AhnEunJin #MyDearestEp1pic.twitter.com/YDlu3YFflT

— Daisy 💕 (@daisy_dramas) August 26, 2023

Y entonces como habéis podido ver él dice: ¿LO HAS OÍDO? ESE SONIDO ES EL DE LAS FLORES. Y termina diciendo: ¿Has oído el sonido de una flor floreciendo en primavera? Hoy he conseguido escuchar ese sonido especial.
Así que si tenemos en cuenta que Chunhyang significa «perfume de primavera», podemos entender la maravillosa referencia a esta obra.
Como dato os cuento que podemos leerla en español gracias a la editorial Verbum.

Pero obviamente, no es la única referencia literaria que he encontrado, puesto que en ese tira y afloja lleno de tensión que intercambian los protagonistas, ella se refiere a él como EL TONTO ONDAL, lo que nos lleva a otra historia de la época en esta LÍNEA: Una frase tan poco convincente que solo el tonto Ondal habría usado con la Princesa Pyeonggang hace 1.000 años.

¿Y de qué historia nos está hablando? Pues de otra fábula muy famosa en Corea conocida como «La princesa Pyeonggang y el idiota Ondal», en la que se nos cuenta el ascenso de un hombre pobre y mediocre hasta alcanzar la grandeza gracias a una mujer que supo ver su potencial.

Antes de eso, por supuesto, el Tonto Ondal se caracterizaba por ser un hombre de clase baja que cuidaba de su madre y al que todos consideraban idiota y sin valor. Después de que la princesa, hija del mismísimo rey, con su determinación, decidiera casarse con él a pesar de los mundos tan opuestos de los que venían, acabó convirtiéndolo incluso en un héroe militar.

Como dato curioso: Esta historia se sitúa en el reino de Goguryeo y está incluida en el Samguk Sagi, recopilado por orden del rey Injong de Goryeo. Samguk Sagi es la crónica más antigua que se conserva de la historia de Corea.

Pero hay otra referencia más que he encontrado entre tanto sufrimiento, escenas maravillosas y una trama perfecta que tiene «My dearest». En esta ocasión hace referencia a una historia con un final trágico y el protagonista se la menciona a Gil Chae en una escena.

La escena en cuestión

Se trata de 운영전 Unnyeongjeon, también conocido como «The Tale of Unyeong».

Portada

Esta es una obra literaria clásica muy conocida, aunque se desconoce su autoría y nos cuenta un desgarrador romance entre una dama de la corte, Unwong, y un erudito, Jinsa Kim. Unwoon y Jinsa Kim, que se encontraron por casualidad, no deben enamorarse puesto que las damas de la corte no pueden contraer matrimonio ya que pertenecen al rey, pero a pesar de eso, los protagonistas se enamoran sin remedio y continúan con sus encuentros prohibidos. Sin embargo, su amor acaba en tragedia con muerte de por medio.

Seguramente hay muchas más referencias literarias en esta serie, puesto que tiene un guion sólido y muy complejo, lleno de matices, pero estas son las que he encontrado con un primer visionado de MY DEAREST.

Lo que espero es que en esta segunda temporada, que viene muy pronto, nos den un final feliz de los protagonistas, pero si no es así, solo por lo cuidada que está la producción, por el nivel de las actuaciones y por cada momentazo vivido, sé que valdrá la pena verla.

Os quiero un montón. Ojalá seáis felices ^⁠_⁠^

5 cosas sobre Mary Shelley y Frankenstein

 

 

1.¿Quién fue Mary Shelley?

Mary Wollstonecraft Shelley fue una escritora, dramaturga y biógrafa pero que se dio a conocer por la obra Frankestein o el moderno Prometeo. Sus padres fueron William Goodwin, un ateo convencido, algo impensable para la época, al igual que su madre, la primera feminista, Mary Wollstonecraft.

Fue la pionera de la CIENCIA FICCIÓN.

2.¿Cuál fue el CONTEXTO HISTÓRICO de creación de la obra? En plena revolución industrial, cuando la gente emigraba desde el campo para descubrir las maravillas de la industrialización. Y en la mayoría de los casos, se producía un choque cultural y sensorial, al abandonar la vida agrícola y adentrarse en un mundo de tecnología y avances. Esa fue la chispa que despertó la idea de Frankestein.

Cuadro de Turner

3.COMPAÑÍAS DE MARY:

• Percy Shelley:  fue su marido. Lo conoció siendo muy joven (él era un joven político seguidor de su padre) y su relación fue intensa, apasionada y liberadora. Percy Shelley estaba casado y durante algunos años, estuvieron  marcados por el ostracismo social, que ya sabéis que en esa época, la moral era muy estricta y esos asuntos eran un escándalo casi imperdonable.
• Lord Byron, por su parte, era el poeta-estrella de aquellos años.  Lord Byron escandalizó a las clases conservadoras de su país, con su vida disipada, su antipatriotismo y sus escritos críticos. En los periódicos se le acusaba de subvertir la sociedad. Fue una de las personalidades del movimiento romántico y deciden conocerle en Ginebra, en Suiza.

4. VILLA DIODATI:Byron llega al lago poco después del grupo de Shelley, acompañado de su asistente personal, John Polidori. Al principio se alojaban en un hotel, pero cuando Byron descubre Villa Diodati, un palacio abandonado a orillas del lago, deciden hospedarse allí. Pasan los días fumando opio, leyendo y hablando de poesía e incluso, según se dice, bebiendo vino en cráneos trepanados. Desde el hotel de enfrente, se alquilan telescopios para ver al famoso poeta y a su pandilla. El mal tiempo del exterior (truenos que rasgaban el cielo, lluvia terrorífica) los mantiene recluidos en la villa, un lugar en el que se decía que Milton había ideado «Paraíso Perdido». Una de esas noches, Byron les sugiere que escriban un cuento de miedo para pasar el rato como los que había recogidos en el libro de Fantasmagoria. Mientras tanto, Shelley y Polidori hablaban de la ciencia, de cuestiones médicas, de los experimentos que se realizaban con la electricidad y que trataban de reanimar cuerpos muertos con estímulos eléctricos. Byron insistió en que debían crear un relato. Todos aceptaron el reto.

Aquella noche, entre truenos y lluvia, Mary Shelley tiene una pesadilla terrible. ¿Puede el hombre crear vida en un laboratorio?

 

5.FRANKENSTEIN:

Publicado el 11 de marzo de 1818  (acaba de cumplir 200 años) es considerado como una novela gótica. La novela habla de la moral científica, la creación y destrucción de vida y de lo que es capaz de llegar a hacer el hombre.

En cuanto al subtítulo de la obra significa que el protagonista, que es Víctor Frankenstein, intenta rivalizar en poder con Dios, como un Prometeo moderno que arrebata el fuego sagrado de la vida a la divinidad.

¿En qué basa Mary su idea de construir un cuerpo a base de otros? Pues os explico. En esa época, la medicina avanzaba a base de experimentación. Antes de que se promulgara la Ley de Anatomía en 1832, los únicos cadáveres que podían usarse para fines anatómicos eran los de los condenados a muerte y disección por los tribunales, pero así no se conseguían suficientes cuerpos para las escuelas de medicina.​ Entonces, se recurrió al robo de cadáveres para obtener cuerpos, de forma que fuese factible estudiar órganos y tejidos.

Habían «asaltadores de tumbas» que ganaban más o menos dinero en función de lo «frescos» que estuvieran los cuerpos. Quienes practicaban el robo de cuerpos eran llamados a menudo «resurreccionistas».

Robar cadáveres era un delito menor, punible sólo con multas y cárcel, pero no con la muerte. El negocio de la venta de cuerpos era lo suficientemente lucrativo como para asumir el riesgo de ser detenidos, especialmente cuando las autoridades solían desentenderse, al considerar que se trataba de un mal necesario.

De ahí sacó Mary Shelley la idea de un «engendro» compuesto por partes de cadáveres y de hecho, Víctor Frankenstein es así como consigue las partes para su monstruo, asaltando cementerios.

¿Qué os ha parecido la entrada?

Espero vuestros comentarios.

(DES)vistiendo a los caballeros en la Época Victoriana

¡Hola! Hace un tiempo escribí una entrada (por si escribíais una novela) sobre como se vestían (y desvestían) las damas en la época victoriana porque llevaban muchísimas capas de ropa y el proceso era laborioso ( os la dejo aquí)

Ahora, en esta entrada, os voy a explicar como iban vestidos los caballeros. No sé si lo sabéis pero el término dandi o dandy se acuñó en la sociedad inglesa y sobre todo francesa de finales del siglo XVIII y se refería a una persona muy refinada con grandes conocimientos de moda, pero en ciertos ambientes era algo negativo. De hecho en «The Gentlemen’s Book of Etiquette» se dan una serie de pautas para evitar el exceso en el vestir. Se basa en la premisa «Deje que el vestido se adapte a la ocasión» que significa que la ropa debe ir acorde al momento, además, remarca que cualquier intento de ser conspicuo, es decir, de sobresalir, es malo. Si se era rico, debía demostrarse con la buena calidad de la ropa, no por el uso y abuso de joyas.

Vestimenta completa de caballero

Proclamaban que la simplicidad siempre debía presidir el guardarropa de un caballero victoriano. Eso sí, prestando atención a los detalles más minuciosos desde el cabello a las mangas, pero sin parecer realmente obsesionado con la perfección.

Un ejemplo, debían cambiar su ropa siempre que estuviera sucia (¡Qué detalle!). Para cambiar pañuelos (cravats), calcetines, pañuelos de bolsillo y ropa interior se guiaban por lo siguiente:

• En el campo, el lino permanecía limpio más tiempo que en la ciudad.
• En lugares húmedos, sucios o polvorientos, los calcetines se ensuciaban antes (imaginaos en ciudades industriales como Manchester). Ahí aconsejaban cambiar más de un pañuelo por día.

Y ahora os voy a explicar qué tipo de vestimenta lucían. Todo dependía de la ocasión, por supuesto. Tenían «moda de noche», «deportiva» (de caza o pesca) y «moda para caminar». Pero vamos por partes.

Primero se ponían la ropa interior consistía en pantalones de lino y camisa, aunque más adelante crearon piezas que cubrían todo el cuerpo, llamados union suits.

Modelito irresistible

Además sujetaban los calcetines con ligas. Para dormir, gastaban camisas y podían usar bata y zapatillas.

Para dormir

Todas las vestimentas, tenían en común que llevaban una camisa que debía ser simple. Os dejo una imagen de VintageDancer.com ( una página en la que hay información y patrones a la venta por si os queréis hacer ropa de cualquier época)

El señor Darcy con camisa blanca después de un baño en el lago

El cuello de la camisa nunca podía tener color y a veces se colocaban unas bandas rígidas (también en los puños) porque ahorraban tiempo ya que con tener estas piezas limpias y planchadas era suficiente, y así no tenían que tener limpia toda la camisa.

Luego, se ponían chalecos, que diferían según la ocasión, como los pantalones.

A continuación se colocaban los pañuelos o las corbatas.

Las corbatas (o pañuelos para el cuello) eran largas tiras de tela (seda, lino, algodón, etc.) que se envolvían alrededor del cuello, luego se ataban en cualquier nudo diferente, formando una especie de volante plano, y fueron el precursor de la corbata moderna.

Si iba a caminar, el traje sería de tweed, con botas normales, guantes no demasiado oscuros, una bufanda con alfiler en invierno y una pequeña corbata de color en verano, un sombrero y un bastón o paraguas. Siempre tenían en cuenta la armonía de colores.

Para un caballero victoriano, los accesorios o complementos eran muy importantes y nada desdeñables.

Y por supuesto, siempre llevaban guantes, porque era impensable tocar a una mujer con las manos desnudas debido a la doble moral imperante en la época.

Accesorios imprescindibles

Otro accesorio imprescindible eran los tirantes. Al principio estaban hechos de cuero marroquí, pero a partir de 1840, se usaron bordados hechos en dos blandas separadas, con pestañas y ojales. Eran de seda.

¿Y qué llevaban los caballeros si iban a pescar , a cazar, o a jugar al cricket?

• Para pescar, nada mejor que un abrigo viejo con grandes bolsillos, polainas y botas gruesas.
• Para el cricket, lucían pantalones de franela, bastante sencillos( a menos que su palo hubiera adoptado una franja de colores, lo que definiría el estilo del conjunto); una camisa de franela de color sin tonalidad intensa; el gorro de los mismos colores que el palo de cricket, zapatos con púas y un gran capa.
• Para la caza, la ropa debía asegurar la comodidad y la seguridad. Por lo tanto, los cordones y algunos tipos de botas son indispensables. También lo eran las espuelas y un sombrero o una gorra redonda fuerte para evitar que el cráneo del caballero se agrietara si se le disparaba en la cabeza (Una gran recomendación, desde luego).

Como podemos intuir, los abrigos eran un complemento esencial para cualquier caballero. Tenían que poseer un chaqué, una levita y un frac, y un abrigo de cola (tail coat) y si hacía mal tiempo usaban capas.

Y no hay que olvidar que un caballero victoriano nunca salía de casa sin su sombrero.

Mención especial merecen los sombreros de copa. El primer sombrero de copa fue fabricado por John Hetherington en 1797; se hicieron muy populares en la década de 1820, fabricados con fieltro hecho de piel de castor y más adelante, de seda.

Lo que Hetherington diseñó fue un sombrero de montar modificado, ampliando el ala y alargando el área superior.

En 1823, Antoine Gibus lo modificó aún más como un gorro plegable de ópera; lo que hizo que viajar con él fuera mucho más fácil y durante la ópera podía hacerse plano y así lo guardaban debajo del asiento.

No fue sino hasta 1850 que el sombrero de copa realmente despegó cuando el Príncipe Alberto comenzó a usarlo en público (de seda lo llevaba él) y se convirtió en la máxima moda y todos los caballeros lo deseaban porque les volvía importantes y elegantes.

Príncipe Albert en la película Victoria, con sombrero de copa

NOTA CURIOSA: La piel de castor se usaba para los sombreros y los abrigos y fue tal el furor que en 1900 casi se extinguieron los castores en América.

Y hasta aquí la entrada sobre la vestimenta masculina en la época victoriana. Hay que tener en cuenta que había variaciones según el año, porque la moda siempre ha sido cambiante e influenciable.

Moda victoriana a través de los años

He creado un tablero en Pinterest con imágenes que os pueden interesar.

Os también dejo unos enlaces muy interesantes.

https://www.facebook.com/bloshka/

https://vintagedancer.com/

https://www.historicalemporium.com/store/mens-coats.php

https://vintagedancer.com/victorian/victorian-mens-suits-coats/

http://www.katetattersall.com/the-glossary/

Si os ha gustado, compartid y comentad. ¡Gracias!

Doble moral en la época victoriana

¡Hola! Esta entrada viene en relación al lanzamiento de mi nueva novela #Amordehumoyalgodón que es mi primera incursión en la romántica histórica. La acción transcurre en Manchester en 1853, es decir, en plena época victoriana, así que hoy os voy a hablar de la doble moral que había en esos años, ya que es algo muy importante en la trama,  porque condiciona las relaciones entre los personajes.

Gran Bretaña tenía una estructura social compuesta de cuatro clases diferenciadas: la Iglesia y aristocracia, la clase media,  la clase trabajadora y los clase baja.

La clase más alta era conocida como la aristocracia. El establishment de la sociedad estaba compuesto por la clase alta.

Incluía a la Iglesia y la nobleza y tenían gran poder y riqueza. Eran la «upper class«. Eran privilegiados y no pagaban impuestos.

Los bailes de la aristocracia

La clase media la componían los burgueses o «middle class». Eran los propietarios de fábricas, molinos, banqueros, propietarios de tiendas, mercaderes, hombres de negocios, y otros profesionales. Los que habían arriesgado su capital en pos de la nueva forma que iba adquiriendo la economía.

Algodón

En cuanto a la clase media común y la clase media baja eran pequeños tenderos, médicos, abogados, comerciantes.

Centro de Manchester

La clase baja británica estaba compuesta de dos sectores:

• La clase baja incluía a hombres, mujeres y niños que realizaban diversos tipos de actividades, entre ellos trabajo en las fábricas, costura, limpieza de chimeneas, minería, y otros trabajos.
• Los «pobres» (aquellos que no trabajaban, o no lo hacían con regularidad, y recibían la caridad pública).
  

  Pobres en Manchester

ROLES DE GÉNERO

Pintura de Leighton

Durante el período victoriano,  los roles de las mujeres y los hombres se definieron más que en cualquier otro momento de la historia.

En siglos anteriores, había sido habitual que las mujeres trabajaran junto a maridos y hermanos en el negocio familiar, que se hicieran cargo de las tiendas, atendiendo a los clientes o llevando las cuentas y al mismo tiempo podían atender sus deberes domésticos.

Pero a medida que avanzaba el siglo diecinueve,  los hombres cada vez ocupaban más el puesto exterior  (en la fábrica, tienda u oficina) mientras que las esposas, hijas y hermanas se quedaban en casa todo el día para supervisar las tareas domésticas que se llevaron a cabo cada vez más por las empleadas del hogar.

Desde la década de 1830, las mujeres comenzaron a adoptar la crinolina, una enorme falda en forma de campana que hacía que sea prácticamente imposible limpiar una rejilla o barrer las escaleras sin caer. Os dejo aquí un artículo sobre las muertes provocadas por esta pieza de ropa.

Esferas separadas

Los dos sexos habitaban lo que definían como ‘esferas separadas’, que se solo unían en el desayuno y otra vez en la cena.

La ideología de las esferas separadas descansaba sobre una definición de las características ‘naturales’ de las mujeres y los hombres.

Las mujeres eran consideradas físicamente más débiles  que los hombres, lo que significaba que eran las más adecuadas para el ámbito doméstico.

Para contrarrestar la «corrupción moral» de la esfera pública en la que sus maridos trabajaban todo el día, las mujeres también debían preparar la próxima generación para llevar a cabo esta forma de vida.

(Hay que añadir que el hecho de que las mujeres tuvieran una influencia tan grande en el país fue utilizado como un argumento en contra de darles el voto)

La educación de las mujeres

Las mujeres tenían, por tanto,  un nuevo tipo de educación a fin de prepararlas para este papel de ‘ángel del hogar’.

En lugar de atraer a un marido a través de sus capacidades internas, las niñas de clase media fueron entrenadas en lo que se conoce como ‘logros’.

Estos se pueden aprender, ya sea en el internado o de una institutriz residente.

En Orgullo y prejuicio (que se escribió durante la Regencia, una época anterior) Caroline Bingley

enumera las habilidades requeridas a cualquier joven que seguían vigentes en la era que nos ocupa. Dice así:

Una mujer debe tener un conocimiento profundo de la música, canto, dibujo, baile, y las lenguas modernas (…); y además de todo esto, debe poseer un cierto algo en su aire y la forma de caminar, el tono de su voz, su dirección y expresiones …

Al mismo tiempo, era importante para las chicas bien educadas suavizar su erudición porque no querían ser llamadas  ‘marisabidillas’, el nombre dado a las mujeres que habían dedicado a sí mismas demasiado entusiasmo a las actividades intelectuales.

A estas se las consideraba poco femeninas y desagradables porque trataban  de usurpar la superioridad intelectual ‘natural’ de los hombres.

Algunos médicos informaron que el exceso de estudio en realidad tenía un efecto perjudicial sobre los ovarios, convertían a las mujeres jóvenes y atractivas en ciruelas secas.

Más tarde en el siglo XX, cuando Oxford y Cambridge abrieron sus puertas a las mujeres, muchas familias se negaron a que sus hijas inteligentes asistieran por temor a que no fueran aptas para el matrimonio.

El matrimonio y la sexualidad

Al mismo tiempo, se esperaba que se centrasen en encontrar un marido. Olvidando todo el apetito sexual, por supuesto.

Las mujeres se suponía que deseaban el matrimonio, y luego aspiraban a ser madres en lugar de perseguir la satisfacción sexual o emocional. Un médico, William Acton, pronunció la célebre frase: ‘La mayoría de las mujeres (felizmente para ellos) no están muy preocupadas con la sensación sexual de cualquier tipo’.

Generalmente, las niñas se casaban con 20 años, porque solían debutar en sociedad a los 18 más o menos. Por lo general, el novio era cinco años mayor. Esto no sólo reforzaba la jerarquía ‘natural’ entre los sexos, sino que  también tenía sentido financiero sólido. Un joven tenía que ser capaz de demostrar que él tenía  suficiente dinero para mantener a su esposa y sus futuros hijos ante el padre de la chica para que le diera su permiso.

Y en principio, ambos debían ser castos. Sin embargo,  muchos hombres jóvenes respetables visitaban prostitutas. He aquí  la doble moral victoriana.

Todas las grandes ciudades tenían unas zonas rojas donde era fácil encontrar una mujer a la que se podría pagar por sexo. (Por ejemplo Whitechapel en Londres)

Por desgracia, la sífilis y otras enfermedades sexuales eran abundantes, y muchos hombres jóvenes, sin saberlo, transmitían la infección a sus esposas. Para aquellos  que desarrollaban una sífilis terciaria, el resultado era una muerte dolorosa y prolongada, por lo general sobre los 40 años.

Frente a la permisividad social de los hombres, las mujeres jóvenes y no tan jóvenes no tenían más remedio que permanecer castas hasta el matrimonio. Ni siquiera se les permitía hablar con los hombres a menos que hubiera una mujer casada presente (papel conocido como carabina).

Carabina en acción

Por supuesto, las mujeres no podían tener aspiraciones profesionales o personales.  Estas frustraciones emocionales podrían conducir a todo tipo de rebeliones encubiertas.

Florence Nightingale deseaba ser capaz de hacer algo útil en el mundo, pero se esperaba que permaneciera con su madre y su hermana. Sufría de arrebatos histéricos y no podía soportar  comer con el resto de la familia. Con el paso del tiempo, se convirtió en precursora de la enfermería profesional moderna y creadora del primer modelo conceptual de enfermería. Os dejo este artículo aquí .

Elizabeth Barrett , por su parte, utilizó la enfermedad como una excusa para retirarse a una habitación en la parte superior de la casa de su padre y escribir poesía. Fue una de las poetisas más respetadas de la etapa victoriana. Escribió prolíficamente sobre todo poesía aunque también realizó prosa y traducciones. Hizo campaña por la abolición de la esclavitud y su obra ayudó a influir en la reforma de la legislación sobre trabajo infantil.

En 1847 Charlotte Brontë puso fuertes sentimientos sobre el papel limitado de las mujeres en la boca de su heroína de Jane Eyre :

«Se supone que las mujeres generalmente son muy calmadas, pero las mujeres sienten tanto como los hombres, necesitan ejercicio para sus facultades y un terreno para encaminar sus esfuerzos tanto como sus hermanos; sufren las restricciones rígidas, el estancamiento absoluto con la misma intensidad que las sufrirían los hombres y es estrechez mental que sus compañeros privilegiados afirmen que ellas deberían dedicarse exclusivamente a hacer pasteles y a tejer calcetines, a tocar el piano y a a bordar. Es insensato condenarlas o reírse de ellas si buscan hacer más cosas o aprender más de lo que la costumbre ha señalado que es necesario para su sexo».

Este pasaje fue considerado tan impactante que los comentaristas conservadores como Lady (Elizabeth) Eastlake  compararon su tono al cartismo, el movimiento obrero popular que defendía el sufragio universal.

Charlotte sabía que su libro era revolucionario, y por eso lo firmó con el seudónimo de Currer Bell. El impacto de su obra fue grandísimo porque escondía una crítica feroz al sistema del «establishment » victoriano, donde la única profesión de la mujer era la de ser esposa y madre amantísima, mientras que los hombres podían gozar de todos los privilegios. A Charlotte y a sus hermanas, al igual que a todas las mujeres,  la época no les perdonaba ser mujeres independientes,porque tenían que supeditarse a los hombres en todos los sentidos.

Podemos decir que la sociedad victoriana tenía dos caras:

1. La exterior: que se vanagloriaba de despreciar el sexo como un acto de placer  y pecado, que  tenía una  disciplina estricta y  prejuicios muy conservadores y que condenaba a la mujer al papel de esposa y madre. Por ejemplo, se dice que se llegaron a alargar los manteles de las mesas para que las patas no recordaran a las piernas de las mujeres. Incluso estaban mal vistas las embarazadas, que no solían salir porque el embarazo demostraba que habían tenido relaciones sexuales y ya no eran «castas», aunque estuvieran casadas.
2. La interior: la que transgredía todo comportamiento «adecuado» y se movía dentro de un mundo sexual oculto. (Había cientos de prostitutas, como en el mencionado barrio de Whitechapel, donde Jack el Destripador cometió sus crímenes).

A continuación, os dejo la Sinopsis de mi nueva novela, donde encontraréis plasmado mucho de lo que habéis leído en este post:

La vida de Sophie, hija del conde de Hastings, cambia cuando descubre que tiene un hermano y que su tío, dueño de un molino de algodón en Manchester, ha sido asesinado.

Aprovechando el parecido entre su padre y su tío Byron, éste les deja escrito un plan para que suplanten su identidad y averigüen quién le ha matado.

Para ello, tendrán que relacionarse con los seis molineros más poderosos y descubrir sus intrigas, mientras se ven envueltos en las luchas sindicales del movimiento obrero.

Sophie no sabrá en quien puede confiar, pero su corazón tal vez sí.

Aaron Wright, dueño de una mina de carbón, es un hombre rico, solitario y frío. Es socio del doctor Byron y se ha convertido en el patrono del molino Hastings. Por ahora, solo le han interesado los negocios, dejar atrás su pasado en África y mantener su vida íntegra y puritana.

Pero cuando conozca a una joven aristócrata valiente que no quiere casarse, su corazón se cuestionará las decisiones del futuro.

( A la venta próximamente en Amazon)

Actualización 2022:

5 preguntas para escribir los mejores besos

¡Hola! ¿Estás pensando en escribir una escena con un beso? No importa si escribes fantasía, juvenil o novela negra. A veces, surge la chispa entre los personajes. Y si hablamos de novela romántica, ya ni te cuento. ¡Los besos son muy importantes!

Los personajes llegan a ese punto, pero antes de eso, tus lectores ya lo están deseando, devorando páginas y páginas espera\nndo que ese acercamiento se produzca.

Así que ¿cómo escribes una escena de un beso que es todo lo que tus lectores esperan?

Photo by Cristian Newman on Unsplash

Pues no es fácil.

Primero tienes que construir la TENSIÓN ROMÁNTICA entre los protagonistas antes de que sus labios se junten por primera vez. Desde que los personajes se cruzan, tienes que ir mostrando la relación entre ellos y como va evolucionando.

Tal vez no se soporten al principio, o tal vez solo son amigos…Todo lo que son, todo el contexto que les rodea les condicionará en la relación y eso tienes que construirlo conforme avanza la trama de la novela.

Vale. Imagínate que quieres escribir el beso. Pues tienes que tener en cuenta 5 preguntas:

1. 1. ¿Cómo han llegado ahí? >toda la trama hasta este momento es importante
   2. ¿Dónde van a besarse?> el lugar en el que se encuentran puede condicionar o acelerar el beso¿están en un helicóptero? ¿en un callejón bajo la lluvia? ¿en un jardín?
   3. ¿Por qué? > las razones que les hacen besarse
   4. ¿Cuánto va a durar el beso? >¿Va a ser un simple beso robado o un largo e intenso beso apasionado? (más abajo os dejo el gif del beso entre Emma y Hook que para mí fue maravilloso)
      ¿Qué sienten?

Una vez que han llegado a ese punto, tendrás que mostrar no contar (SHOW NOT TELL) lo que sienten desde lo físico a lo emocional.

Con un beso, aumenta la frecuencia cardíaca, las pupilas se dilatan, las mejillas pueden ruborizarse, la respiración se vuelve más profunda y más irregular…Todo eso es la descripción física, pero no hay que limitarse a eso porque puede quedar frío. No hay que perder de vista que el beso también es un momento emocional profundamente significativo en la vida de los personajes. ¿Qué sienten ellos? ¿Qué cambios hay entre los protagonistas después del beso? ¿Es un punto de inflexión? ¿Qué revela sobre la trama o los personajes? La escena debe contener objetivos, motivaciones y conflictos como cualquier otra escena.

Si no es así, la escena no satisfará a los lectores.

Y sin más, os dejo un ejemplo de la serie Shadowhunters. El beso entre Alec y Magnus no estaba en el libro, toda la trama de la boda no aparece en las novelas de Cassandra Clare, pero pienso que es un ejemplo interesante para aplicar las 5 preguntas que os he comentado arriba. ¿Qué creéis?

Espero vuestras opiniones y comentarios.

Sobre Jane Austen

Jane Austen fue una destacada novelista británica que vivió durante el período de la Regencia.

Huyó de la literatura gótica de su tiempo y fue una maestra en el retrato de la gente corriente de la alta clase rural del sur de Inglaterra en espacios hogareños.

Sus heroínas pertenecían a la burguesía territorial inglesa y se movían por mansiones, casas de campo o pueblos pequeños.

Podemos decir que Jane Austen escribía sobre lo que conocía, pero con una capacidad de elaborar personajes con los que aún nos identificamos, 200 años después.

La fuerza de sus escritos reside principalmente en los diálogos y en el vocabulario, porque lo seleccionaba cuidadosamente, dando mucha importancia a las construcciones sintácticas y a las expresiones para reflejar mejor la época.

Lo que sin duda define a Jane Austen es el uso de una fina ironía en todas sus obras.

Se cuestiona continuamente la trivialidad de la vida que la rodea. Con una lupa implacable sobre las convenciones de su época, muestra con humor, las injusticias a las que se ven sometidas las mujeres, debido a la importancia que el peso del dinero tenía sobre las clases acomodadas.

En su época, los matrimonios no eran más que transacciones comerciales, debido al injusto sistema hereditario inglés. Las mujeres no podían heredar, así que en muchos casos dependían de la caridad de sus parientes varones.

(Incluso a la propia Jane Austen le sucedió algo parecido.En enero de 1805, el padre de Jane Austen falleció y ella y su hermana tuvieron que depender absolutamente de sus hermanos varones.)

Jane Austen plasma su desagrado ante esta situación con su pluma, su ironía y sus protagonistas. Por ejemplo, puede verse en uno de sus personajes de Orgullo y Prejuicio.

Para las personas que no hayáis leído esta obra, os cuento a qué me refiero.

El señor Bennet, padre de cinco hijas y sin heredero varón, sabe que cuando muera, todas sus posesiones (Longbourn) irán a parar a su familiar más cercano, que no es otro que el señor Collins, un clérigo pomposo y  devoto y adulador de su patrona, Lady Catherine de Bourgh (que a su vez es tía del señor Darcy).

En un primer momento, quiere casarse con Jane (que espera afianzar lo del señor Bingley), así que le hace una proposición de matrimonio a Elizabeth, que por supuesto, ella rechaza aunque eso ponga en peligro el futuro y la estabilidad de su familia.

Todo esto, todas las injusticias, quedan reflejadas bajo la mordaz pluma de Austen.

En otra de sus grandes obras, Sentido y Sensibilidad, aparece el mismo tema como arranque de la novela, ya que las protagonistas, Elinor, Marianne y su madre quedan a la merced de su hermano (y de su cuñada) tras la muerte del padre.

 

Mucho se ha dicho sobre si Jane Austen es o no feminista. Sin duda, para mí es definitivo que sus protagonistas fueran las narradoras de algunas de sus historias o centren la atención del narrador.

Y sobre todo, pese a que muchas de sus heroínas acababan casándose,  no se sometían a ningún hombre y tenían fuertes opiniones formadas. 

Lamentablemente, se acababa en boda porque la época así lo demandaba, porque el matrimonio solucionaba problemas y concedía estatus.

A continuación, os dejo una serie de características de sus obras:

• Prosa elegante y fluida
• Sutil tono sarcástico
• Ironía
• Humor
• Detallismo
• Cuidaba el lenguaje y las expresiones
• Elaboraba retratos psicológicos de los personajes
• Cuidaba y detallaba incluso a los personajes secundarios
• Mujeres reivindicativas.
• Opiniones formadas sobre el deber, la moral, la educación o la familia
• Defensa de la novela como género.

 

En definitiva, Jane Austen fue una mujer avanzada a su época y sus obras siguen siendo de las más vendidas, leídas y estudiadas.

En mi humilde opinión, su éxito reside en la miríada de personajes con sus defectos y virtudes, que nos enganchan, hacen que nos identifiquemos y que nos enamoremos.

Y para muestra, os dejo al señor Darcy.

Gracias por leerme.